Artistul elvețian

Alberto Giacometti ~ Surrealist / Existențialist / Figura sculptor

Pin
Send
Share
Send
Send





Giacometti, Alberto (1901-1966) - Sculptor, pictor, scenarist și tipograf, fiul lui Giovanni Giacometti.
1. Studii și lucrări timpurii până în 1927
A inceput sa deseneze in jurul anului 1910-12, urmat de pictura si sculptura in 1913-15. În timp ce la școala secundară din Schiers, lângă Chur (1914-19), și-a dezvoltat stilul de desen în primul rând prin portretizare. În 1919-20 la Geneva a studiat pictura la Ecole des Beaux-Arts și sculptură la Ecole des Arts et Métiers, dar a fost mai impresionat de vizitele ulterioare în Italia1920-21), unde a lucrat fără instrucțiuni formale. În sculptură a lucrat într-un mod academic, în timp ce în pictura el a simulat stilul tatălui său post-impresionist și fauvist, pe care la stăpânit bine până la sfârșitul anului 1921, ca și în Autoportret (Zurich, Ksthaus).



În consecință, în ianuarie 1922 a început să studieze sculptura în Paris sub Emile-Antoine Bourdelle la Académie de la Grande Chaumière, unde a continuat intermitent timp de cinci ani. În 1925 a încetat desenul și pictura să se concentreze pe sculptură, iar fratele său - Diego Giacometti sa alăturat lui la Paris. În 1927, ei s-au mutat în studio la 46, Rue Hippolyte-Maindron din Montparnasse, unde Alberto a lucrat pentru tot restul vieții, cu vizite anuale la familia sa din Elveția.


Giacometti a făcut câteva sculpturi remarcabile înainte de 1925, când a apelat la mai multe surse de avangardă. După un interes în simplitatea formală a stilului lui Brancusi, de exemplu în Torso (1925; Zurich, Ksthaus), sa îndreptat spre cubism, emulând lucrările lui Jacques Lipchitz și Henri Laurens în propriile sculpturi din 1927, denumite de obicei compoziția (Om) sau (Barbat si femeie). De asemenea, sa îndreptat spre inspirația artei africane, rezultând în primele sale sculpturi importante: Omul și femeia din 1926 (expuse în Salonul des Tuileries, Paris) și Spoon Woman din 1926-7 (atât Zurich, Ksthaus). Aceste sculpturi totemice constau din forme radical simplificate; frontalitatea lor rigidă și folosirea nudelor masculine și feminine ca tipuri sau simboluri sexuale ar avea implicații de lungă durată pentru lucrarea ulterioară a lui Giacometti.



2. Perioada suprarealistă, 1927-1934
Prima perioadă a creației extraordinare a lui Giacometti a început în 1927; în următorii șapte ani a produs sculpturi într-o mare varietate de stiluri. În 1927-8 a modelat compoziții aplatizate, incluzând o serie de capete de portret ale părinților săi și un grup de plăci, în special Gazing Head (Zurich, Ksthaus) și mai multe femei (de exemplu. Washington, DC, Hirshhorn). Placile reflectă o nouă abordare conceptuală a formei sculpturale și a spațiului, deoarece Giacometti a redus un cap sau o figură la câteva elemente foarte abstracte de pe suprafața unui dreptunghi plat.



Plăcile au atras atenția lui André Masson, prin care Giacometti la întâlnit pe Max Ernst, Miró, scriitorul francez Georges Bataille și alții care l-au încurajat să se îndrepte spre teme freudiane de sexualitate, violență și fantezie. Pe măsură ce încorporează această nouă orientare, el a lucrat din ce în ce mai mult în compoziții deschise, structurate geometric de elemente liniare, ca și în cele trei cifre în aer liber1929; Toronto, A.G. Ont.) și Femeia înclinată care visează (1929; Washington, DC, Hirshhorn), ale căror imagini semi-abstracte transmit semne falsice. În anul următor a început să realizeze mai multe construcții tridimensionale ale unor materiale mixte, în special Suspended Ball (fier și tencuială, 1930; Zurich, Ksthaus), a carui implicatii sexuale cinetice au determinat André Breton sa-l inscrie pe Giacometti in "oficial"Grupul suprarealist. Un membru activ din 1930 până în 1935, Giacometti a apărut ca cel mai inovator sculptor al suprarealiștilor, extindând parametrii sculpturii atât conceptual, cât și stilistic. În plus față de modelarea în tencuială, a realizat sculpturi cu materiale variate și fragile, de exemplu, elemente de suspendare, cum ar fi tencuiala sau sticla, în structuri delicate din lemn și șir extrem de subțire.




Multe sculpturi din anii 1931-1933 depășesc definițiile tradiționale ale sculpturii, apropiindu-se în mod dramatic de alte "categorii': Nu mai juca (Dallas, priv. col.) și bărbat, femeie, copil (Basel, Öff. Kstsamml.) seamănă cu jocuri de jucărie de masă cu figuri mobile în peisaje abstracte, în timp ce masa suprarealistă (Paris, Pompidou) se apropie de proiectarea mobilierului cu permutări ciudate. (La acea vreme, Giacometti a făcut și comisii pentru designerul de interior Jean-Michel Frank.) De la ora 4:00 (New York, MOMA) se aseamănă cu un set scenic de arhitectură în miniatură, plin de evocări ale viselor artistului, inclusiv scheletul unui pterodactyl și coloana vertebrală suspendată într-o cușcă. Flori în pericol (Zurich, Ksthaus) amenință distrugerea iminentă a frumuseții fragile, în timp ce femeia cu gâtul tăiat (Veneția, Guggenheim) transmite consecințele violenței grosolane, inclusiv un element de voyeurism, în timp ce privitorul se află entuziasmat de formele extraordinare ale sculpturii. Hands Holding the Void (Vidul; 1934; New Haven, CT, Yale U. A.G.) prezintă o imagine enigmatică a dorinței metafizice neîmplinite, pe măsură ce figura apucă de nimic. În aproape toate sculpturile suprarealiste, spațiul gol joacă un rol activ, atât compozițional cât și psihologic.



În perioada 1930-1936, Giacometti a participat la numeroase expoziții, printre care Miró-Arp-Giacometti (Galerie Pierre, Paris, 1930), primul său spectacol un om (Galerie Pierre Colle, Paris, 1932), iar grupul suprarealist arată în întreaga lume (Galerie Pierre Colle, Paris, 1933; Galerie Charles Raton, Paris, 1936; Muzeul de Artă Modernă, New York, 1936; New Burlington Galleries, Londra, 1936; și alții la Bruxelles, Zurich și Copenhaga). Cu toate acestea, precipitată de lucrarea sa asupra figurii din Obiectul invizibil (1934; Washington, DC, N.G.A.), în 1935 a respins suprarealismul pentru a reveni la arta reprezentativă bazată pe studiul vieții.

3. Perioada intermediară, 1935-1945, și apariția stilului matur, 1946-55
Pentru următorul deceniu, Giacometti sa luptat într-o perioadă de efort frustrat, încercând să surprindă experiența percepției, inclusiv efectele subiective ale distanței spațiale, fără a se limita la un stil pur descriptiv. Sa intors la desen, copiind adesea arta mai veche. El a sculptat în mod repetat busturi pe măsură ce modelul său a reprezentat zile sau săptămâni, iar până în 1939 a realizat tencuieli obsesiv reductiviste, unele atât de mici încât s-au rupt în praf. Deși eforturile sale de la Paris și, în timpul celui de-al doilea război mondial, la Geneva (1942-5) au produs doar câteva lucrări importante, au pus bazele stilului său postbelic. Femeie pe un car (1942-3; Stuttgart, Staatsgal) prefigurează nudele sale mai târziu de sex feminin, în timp ce Mama Artistului și Viața Statică cu Apple (1937) marchează începutul stilului său de pictura liniară postbelică.

Abia după întoarcerea sa la Paris la sfârșitul anului 1945, eforturile lui Giacometti au fost redirecționate spre producerea stilului său matur și astfel a început a doua fază a creativității intense. Mulți factori ar fi putut contribui la asigurarea catalizatorilor necesari: vitalitatea Parisului postbelic, sprijinul și sprijinul reînnoit al fratelui său Diego, prietenia lui cu Jean-Paul Sartre, afacerea lui de dragoste și viața domestică cu tânărul Annette Arm, la care sa întâlnit la Geneva în 1943 și sa căsătorit la Paris în 1949. Printre acești stimuli convergeni a fost o schimbare radicală a percepției (a se vedea Charbonnier pentru amintirile artistului), ceea ce ia determinat să "vadă" figuri ca și cum ar fi distanțate, atenuate și nediferențiate, o viziune pe care a tradus-o în capodopere de sculptură în anii postbelici. Urmele vestigiale ale supremației suprarealiste se regăsesc în unele, în special The Nose (Washington, DC, Hirshhorn), Mână (Zurich, Ksthaus) și Șeful unui bărbat pe o tijă (New York, MOMA). Cele mai cunoscute sculpturi postbelice portretează figuri simple sau grupate, cu totul uimitor de scheletice în proporții și adesea montate pe baze mari sau grele. În bronzuri precum diferitele figuri înalte (Washington, DC, Hirshhorn; Zurich, Ksthaus), Patru cifre pe o bază (Pittsburgh, PA, Carnegie) și The Chariot (New York, MOMA), formele sale rigide de sex feminin se situează ca simboluri ale esenței ireductibile a omenirii, inaccesibile și indestructibile. Bărbații lui par să știe scopul sau destinația lor și sunt astfel portretizați în mișcare, ca și în Man Pointing (New York, MOMA) și cifrele energetic striding în Man Walking in the Rain (New York, priv. col.) și Trei bărbați de mers pe jos (Zurich, Ksthaus). Sculpturile postbelice sugerează adesea o așezare urbană, ca în Piața orașului (New York, MOMA), Femeie Mergând între două case și omul care traversează o piață (atât Zurich, Ksthaus) și aproape întotdeauna încorporează un sentiment palpabil de spațiu gol în jurul figurilor individuale.

Cifrele lui Giacometti, cu aparenta lor emaciatie, anonimitate si izolare in spatiu, au lovit imediat o coarda receptiva in critici si colectionari. Sculpturile sale au fost percepute ca metafore potrivite pentru starea umană a Europei postbelice: oroarea lagărelor de concentrare, persoanele strămutate, viețile distruse. La un nivel mai filosofic, criticii au privit de asemenea arta lui Giacometti ca Existentialist, o interpretare introdusa de Sartre in cele doua eseuri despre arta lui Giacometti (1948 și 1954). Această interpretare existențială a sculpturilor și picturilor sale a fost norma în timpul vieții artistului și a precipitat o reacție a unor critici formaliștivezi Kramer). Atât interpretările contextuale cât și cele istorice ale artei sale au multă valabilitate, însă își limitează lucrarea la un fel de ilustrare filosofică, în timp ce arta sa exprimă o Angst mai personală și mai universal decât una specifică timpului și locului său.
După 1950, Giacometti și-a restrâns gama compozițională, evitând compozițiile multi-cifre și contextele urbane pentru cifre și busturi individuale. După 1952 a modelat multe busturi ale lui Diego pe baza studiilor de viață și a memoriei. Acestea variază de la portrete relativ naturaliste la cele caracterizate printr-o "Trage"sau tensiune cuplată cu contraste ascuțite între vederi frontale și profil, ca în Big Bust of Diego (1954; Zurich, Ksthaus). Atât busturile sale, cât și picioarele în picioare sunt caracterizate de suprafețe modelate expresiv și de o privire frontală fixă, ambele având tendința de a menține privitorul la distanță.




În perioada postbelică a productivității intense, Giacometti a atras în mod constant și a pictat în mod regulat după o pauză de 20 de ani. Stilul său de desen era alcătuit din linii rapide executate, adesea continue, care se învârteau în jurul și peste subiectul său, fără să-l definească niciodată, dând încă un sentiment de masă și mister. Cele mai vechi desene postbelice au o remodelare grea, adesea obscură a trasaturilor faciale într-un vortex expresionist de linii. În jurul anului 1954, după cum și-a restrâns gama de compoziții în sculptură și pictură, și-a extins domeniul de desen. Desenele sale de creioane de portrete, nuduri, încăperi și interioare de la mijlocul anilor 1950 prezintă o fuziune de putere și delicatețe, în timp ce linii se intersectează în trasări structurate geometric, acoperite cu smudgeri întunecate și umbre în gri, într-un domeniu care se mișcă neîncetat, grajd. Stilul său de pictura matură sa dezvoltat de la această metodă de desen liniar, deoarece el a folosit perii foarte subțiri precum creioane. Multe din picturile sale postbelice au o bravură virtuoasă a acestor linii negre, albe, roșii și galbene, ca în Portretul Mamei Artistului (1950; New York, MOMA), Diego Seated (1948; Norwich, U.E. Anglia, Sainsbury Cent.), Annette în Studio cu "Caruta' (1950; Londra, priv. col., vezi 1969-70 exh. p. p. 93), Diego în cămașă roșie (1954; New York, priv. col., vezi Lamarche-Vadel, p. 97) și Annette (Stuttgart, Staatsgal). În multe compoziții figurile apar în tensiune subevaluată cu spațiul din jur, izolate subtil de contactul cu împrejurimile, interpretate de Sartre ca ființe în golurile existenței.

Munca postbelică a lui Giacometti ia adus recunoașterea imediată. A avut o expoziție la Galeria Pierre Matisse din New York la începutul anului 1948 și din nou la sfârșitul anului 1950 și mai 1958. La Paris, Galerie Maeght și-a prezentat lucrările la mijlocul anului 1951, în mai 1954 și în iunie 1957. Muzeele și-au dobândit treaba. Kunsthalle din Berna a susținut un show single-man în 1954; în anul următor a avut retrospective separate la Galeria Consiliului Artelor din Londra și la Muzeul Solomon R. Guggenheim din New York.


4. Criza din 1956-7 și lucrările târzii, 1958-65
Continuând formatele sale strict prescrise în sculptură și pictură, în primul rând busturi și nudele feminine în picioare, Giacometti a lucrat în mod constant în anii 1950. De notat în special sunt cele 15 (10 supraviețuitori) sculpturi de stat feminine făcute pentru expoziții în Berna și Veneția, în 1956. Treptat, cu toate acestea, Giacometti a avut o anxietate tot mai mare cu privire la incapacitatea lui de a realiza pe deplin în munca sa ce a vrut să facă. Această nevroză a culminat la sfârșitul anului 1956, în timp ce picta portretele unui profesor japonez de filosofie, Isaku Yanaïhara (Paris, Pompidou; Chicago, IL, A. Inst .; priv. cols). Criza de îndoială de sine a afectat inițial și cel mai vizibil pictura lui, cu care a devenit obsedat. Linia de bravura rapidă a anilor postbelici în lucrări precum Annette (1949; priv. col., vezi 1969-70 exh. cat., nr. 136) a dat naștere la indecizie, la observație superficială și obliterare, astfel încât pânzele sale au devenit din ce în ce mai caracterizate prin miasme cenușii copleșind figura (sau obiectul)1958; Düsseldorf, Kstsamml. Nordrhein-Westfalen).


După perioada de criză, Giacometti a continuat să sufere profund, dar munca sa în toate mass-media a devenit mai puternică, mai ales din 1959-1962. Aceste lucrări târzii sunt caracterizate de intensitate extraordinară și execuție expresivă. În anii 1959-1960 a realizat un grup de sculpturi mari (inițial comandat pentru Chase Manhattan Plaza din New York, dar nu a fost niciodată finalizat), ca o sumare a celor trei teme majore ale operei sale: Femeia Mare I-IV, care are o înălțime de 2,74 m înălțime, Bustul Monumental și omul de mers pe jos de dimensiunea vieții I-II. Din 1962-1965 a lucrat la o serie de 10 busturi de Annette și alții din Diego și fotograful Elie Lotar (1905-69). Toți au observații îngrijorătoare obsesive, suprafețe modelate puternic și siluete distorsionate; fețele lor înfipte, adesea adânc marcate de tăieturi de la cuțitul de modelare, se îndreaptă în față ca și cum ar încerca să pătrundă dincolo de realitatea lor. În picturile sale, o anumită liniaritate se întoarse, dar într-un mod subtil diferit, fuzionând cu spațiul nebulos cenușiu pentru a produce o dimensiune triunghiulară sculpturală, dar în același timp fantomatică, în paralel cu o expresivitate gestuală. Împreună cu o serie de picturi ale lui Annette în anii 1960-1962 (de exemplu. Washington, DC, Hirshhorn), multe din cele mai puternice sale tablouri târzii descriu o prostituată tânără numită Caroline, despre care a fost îndrăgostit (de exemplu. 1962; Basle, Kstmus). El a pictat, de asemenea, o serie de "capete întunecate"de Diego, modeste în scară, dar bântuitoare și aproape morbide în vigoare (de exemplu. Șef al lui Diego, 1961; Boston, MA, Mus. FA.).

În ultimii ani ai vieții sale, faima publică a revendicat o sumă semnificativă a timpului lui Giacometti, în calitate de colectori, dealeri, tineri artiști, curatori și mass-media s-au adunat în studioul său mic. Atât Matisse, cât și Maeght au prezentat expoziții de succes ale activității sale în 1961, urmate de o prezentare majoră a peste 100 de lucrări la Bienala de la Veneția în 1962. Kunsthaus din Zurich (1962-3), Colecția Phillips din Washington, DC (1963), Muzeul de Artă Modernă din New York (1965) și Galeria Tate din Londra (1965) au arătat mari retrospective. La începutul anului 1963 a avut o intervenție chirurgicală pentru cancerul de stomac și a devenit tot mai rău, deși a continuat să lucreze. / Sursa: de Valerie J. Fletcher © Oxford University Press.






















































Giacométti, Alberto. - Scultore e pittore svizzero (Stampa, Grigioni, 1901 - Coira 1966), figlio di Giovanni. Frequent la la scuola d'arte di Ginevra; nel 1920-21 fu un Roma; nel 1922 și a stabilit o Parigi, frecventă Bourdelle și s'iscrisse toate'Academia de la Grande-Chaumière. Dal 1925-1928 eseguiva scult di carattere decisamente cubista. Nel 1929 aderì al movimento Surrealista, realizeazando degli obiecte e delle constructions-cages (Boccia sospesa, 1930, Zurigo, Kunsthaus) e dall'esperienza surrealista trasse un senso magico dello spazio, definit la definit per mezzo di fragili strutture lineari (Palazzo alle 4 del mattino, 1932-33, New York, Muzeul de artă modernă). Cunoscând succesul ritorno alla figură umană, relațiile dintre relațiile de circulație și mediul înconjurător s-au dezvoltat într-o atmosferă sensibilă, o sensibilă plastică a unei figuri, care să poată fi evacuate sub formă de bronzuri preistorice; il tema prediletto della sua scultura è la solitudine, la vulnerabilità dell'uomo nell'infinita vacuità dello spazio (Uomo indicante, 1947, Londra, Galeria Tate). Împreună cu Ginevra durante tutta la seconda guerra mondiale. În 1947, sa scufundat și sa dezghețat, să vină neglijată, să-și păstreze calitățile la scultura. În ceea ce privește descrierea și descrierea operațiunii G., statutul special al societății J.-P. Sartre. Nel 1962 a fost premiat la Biennale di Venezia în 1965, la Grand Prix des Arts de Paris. Un grouppo cospicuo delle sue opere și trova a Zurigo (Kunsthaus), porumbelul este constituit dintr-un fond indian. / Fonte: © Treccani - Enciclopedia Italiana.

Priveste filmarea: Alberto Giacometti's surrealism. Exhibitions. Showcase (Iulie 2020).

Загрузка...

Pin
Send
Share
Send
Send